liste des films pour l'examen Flashcards

Question

La Croisière du Navigator (The Navigator)

Answer 1

(Buster Keaton et Donald Crisp, 1924) - Huis clos technologique : Keaton seul sur un navire à la dérive (cf. Le Mécano de la Générale, 1926) - Gags d’objets récalcitrants (ex : chaise longue) → proche de Chaplin (Charlot rentre tard). - Thème du personnage face à la machine - Parallèle avec Sherlock Jr. (1924) : projection rêvée dans un film, interactions entre rêve et réalité, contrôle progressif de l’univers fictionnel

Answer 2

(Marcel L’Herbier, 1924) - Film d’avant-garde française - Séquence d’accident de voiture marquée par l’effet de vitesse → comparable à La Glace à trois faces (Epstein, 1927)

Answer 3

(Vsevolod Poudovkine, 1926) - Thème : éveil du sentiment révolutionnaire face à la répression des prolétaires (cf. La Grève, Eisenstein, 1925) - Spécificité : personnages individualisés, avec motivations psychologiques (amour maternel et filial) - ≠ Eisenstein (Potemkine, Octobre) : recours au typage (classe/caractère), mise en avant du collectif.

Answer 4

(Alan Crosland, 1927) - Jalon majeur du passage au cinéma parlant - Utilise le système Vitaphone (Warner) : a. Musique et chant enregistrés & synchronisés b. Seule partie parlée : chant à la mère à domicile - Succès commercial retentissant - Interprète : Al Jolson, aussi star de The Singing Fool (1928) - Liens avec l’essor de la radio et de l’industrie du disque (promotion de musiques de films)

Answer 5

(Fritz Lang, 1927) - Créature artificielle sans implication féminine : robot Maria (cf. Le Golem, 1920) - Laboratoire du savant fou = féérie moderne (cf. L’Inhumaine, 1924) - Inspirera le robot C-3PO de Star Wars (dessins de production des années 1970) - Associé a posteriori à la science-fiction (≠ Aelita, rêve) - Intrigue proche du serial : quête de Maria par Freder (cf. Die Spione, Die Spinnen) - Fin utopique : réconciliation patron/prolétaire ≠ élan révolutionnaire des films soviétiques (Eisenstein) - Lang réalise plus tard un film expressionniste sonore : M le maudit (1931)

Answer 6

(S. M. Eisenstein, 1927) - Commémore la révolution bolchevique d’octobre 1917 → chute du tsarisme - Pas de protagonistes identifiés (≠ narration classique) - Prolonge Le Cuirassé Potemkine (1925) : montage des attractions → impact émotionnel (ex : escalier d’Odessa) - Montage encore plus intellectuel : discursif, souligne les enjeux idéologiques et historiques

Answer 7

(Marcel L’Herbier, 1928) - Décors monumentaux pour un film ancré dans l’époque contemporaine (≠ Intolérance ou Metropolis) - Reprend des acteurs de Metropolis : Alfred Abel, Brigitte Helm - Modernité mise en scène : bourse frénétique, aviateur recordman, télécommunications (téléphone, télégraphe) - Rappel de L’Inhumaine (1924) : vitesse, technologie, esthétique moderne

Answer 8

(Harry Beaumont, 1929) - Comédie musicale saluée par la critique (ex. René Clair) - Intégration narrative du son : chansons et spectacles intégrés à l’histoire - Oscar du meilleur film (2e cérémonie, 1930) - Personnage féminin actif : Bessie Love → agentivité marquante pour l’époque - Préfigure les comédies musicales des années 1930 (ex : Busby Berkeley) - Même sous-genre que Singin’ in the Rain (Donen & Kelly, 1952) → backstage musical

Answer 9

(Dziga Vertov, 1929) - Documentaire formaliste inscrit dans la théorie du « ciné-œil » : filmer le réel sur le vif - Dimension réflexive marquée : on voit l’opérateur filmer (caméra = œil prothétique), on voit aussi la monteuse au travail, jeu sur les photogrammes et les images en mouvement - Film structuré selon le déroulé d’une journée urbaine

Answer 10

(René Clair, 1931) - Refus du vococentrisme : utilise le son de façon inventive, pas centré sur la parole, déjà expérimenté dans Sous les toits de Paris (1930) - Voix collectives, jeux de synchronisme - Musique commercialisée indépendamment du film - Le film réfléchit sur l’industrie sonore → mise en abyme narrative du cinéma parlant

Answer 11

(Julien Duvivier, 1932) - Exhibition des technologies sonores : téléphonie, transmission de la parole (cf. The Man Who Knew Too Much, Hitchcock, 1934) - Intégration narrative du bilinguisme → évite de produire plusieurs versions linguistiques du film

Answer 12

(Howard Hawks, 1932) - Film de gangsters emblématique : violence marquée, protagoniste exubérant & déviant inspiré d’Al Capone - Scène de siège d’une chambre par la police → comparable à Le jour se lève (Carné, 1939) - Période du cinéma parlant : bruit des armes = attraction sonore (cf. L’Homme qui en savait trop, Hitchcock, 1934) - Différences de représentation de la violence : Hollywood se censure (Code Hays), la France l’expose davantage dans les années 1930

Answer 13

(Design for Living, Ernst Lubitsch, 1933) - Comédie sophistiquée, dans la lignée de L’Opinion publique (Chaplin, 1923) - ≠ humour grossier des débuts allemands de Lubitsch (ex : La Poupée, 1919) - Emblématique de la “Lubitsch touch” : suggestion du désir par le dialogue et le non-dit - Relation à trois (March, Cooper, Hopkins) → impossible après le Code Hays (1934).

Answer 14

(The Man Who Knew Too Much, Alfred Hitchcock, 1934) - Période britannique de Hitchcock - Expérimentations sonores (cf. Chantage/Blackmail, 1929) - Antagoniste joué par Peter Lorre (protagoniste de M le maudit, 1931) - Influence de l’expressionnisme allemand : atmosphère pesante, hypnose - Séquence de siège finale : bruit des coups de feu → proche des films de gangsters pré-Code - Remake en 1956 par Hitchcock avec James Stewart

Answer 15

(Dimitri Kirsanoff, 1934) - Film de l’interrègne sonore : refus du vococentrisme, expérimentations sonores (voix, musique, voix collective) - Comparable aux films de René Clair (À nous la liberté, 1931) - Bilinguisme intégré à la narration → évite les versions multiples (cf. Allô Berlin ? Ici Paris !, 1932).

Answer 16

(Charlie Chaplin, 1936) - Reprise de gags issus des films de Chaplin des années 1910 - Refus du primat de la parole malgré le cinéma parlant : intertitres, expérimentations sonores (cf. City Lights, 1931) - Thématique du milieu ouvrier → parallèle avec À nous la liberté (René Clair, 1931) - Accusation de plagiat par la Tobis, société allemande productrice du film de Clair.

Answer 17

(Jean Grémillon, 1937) - Avec Jean Gabin, figure du prolétariat - Histoire de manipulation par une femme fatale de la bourgeoisie (vision très négative) - Préfigure les femmes fatales des films noirs hollywoodiens - Lien entre réalisme poétique & expressionnisme allemand : Chef op. = Günther Rittau (aussi sur Metropolis, 1927)

Answer 18

(Jean Renoir, 1938) - Adaptation du roman d’Émile Zola - Avec Jean Gabin en mécanicien instable, en fusion avec sa locomotive (cf. La Roue, Gance, 1923) - Cède à une violence misogyne → tue son amante manipulatrice (jouée par Simone Simon) - Film rattaché au réalisme poétique.

Answer 19

(Marcel Carné, 1939) - Film du réalisme poétique, avec Jean Gabin en ouvrier meurtrier sous circonstances atténuantes (cf. La Bête humaine, 1938) - Imaginaire masculin : opposition entre femme réelle (Clara, Arletty), et femme idéalisée (Françoise) - Remake américain : The Long Night (Anatole Litvak, 1947), rendu possible après la levée du Production Code

Answer 20

(Robert Siodmak, 1939) - Film au ton hétéroclite : enquête policière, comédie romantique, numéros de music-hall - Maurice Chevalier à contre-emploi : soupçonné d’être un tueur en série, contraste avec son image d’acteur de music-hall - Esthétique préfigurant le film noir hollywoodien, dont Siodmak réalisera plusieurs exemples plus tard.

Answer 21

(Luciano Emmer et Enrico Gras, 1940, ressortie en 1946) - Film sur les fresques de Giotto (chapelle Scrovegni, Padoue) - Détails filmés (à partir de cartes postales) → comme L’Agneau mystique (Cauvin, 1939) - Spécificité : a. Montage narratif : l’œuvre devient une diégèse, avec un récit interne b. Voix over = voix du Christ, pas un commentaire d’historien (ex. : scène du baiser de Judas)

Answer 22

(Billy Wilder, 1944) - Film emblématique du film noir - Femme fatale : Barbara Stanwyck, fragmentation du corps féminin, séduction manipulatrice envers un homme faible - Comparable à Le Facteur sonne toujours deux fois (Tay Garnett, 1946)

Answer 23

(Tay Garnett, 1946) - Adaptation du roman de James M. Caine, après Le Dernier Tournant (Pierre Chenal, 1939, version française « noire »), Les Amants diaboliques (Ossessione, Visconti, 1943, version néoréaliste italienne) - Film tourné après l’assouplissement de la censure américaine - Présente une femme fatale typique du film noir - Remake en 1981 par Bob Rafelson → néo-noir du Nouvel Hollywood

Answer 24

(Claude Autant-Lara, 1947) - Réalisé à l’initiative de Micheline Presle (rôle principal), aux côtés de Gérard Philipe, qui devient star après ce film - Relation adultère entre une femme mariée et un mineur (cf. Le Blé en herbe, Autant-Lara, 1954) - Scénario en flash-back (rare à l’époque, cf. Le Jour se lève, 1939) - Écrit par Jean Aurenche & Pierre Bost → figures de la “Qualité française”

Answer 25

(Delmer Daves, 1947) - Couple de stars emblématique du film noir : Humphrey Bogart & Lauren Bacall - Bogart incarne un protagoniste avec les traits typiques du film noir → comme dans Le Faucon maltais (The Maltese Falcon, John Huston, 1941), considéré comme le premier film noir

Answer 26

(Roberto Rossellini, 1948) - Film néo-réaliste, tourné dans les ruines réelles de Berlin en après-guerre immédiate - Fiction ancrée dans le réel : témoigne de la précarité extrême des habitants - Parallèle avec Rome, ville ouverte (Rossellini, 1945) — film-jalon du néo-réalisme - Destin tragique et sans issue du jeune Edmund (cf. Umberto D., De Sica, 1952)

Answer 27

(Yasujirō Ozu, 1949) - Film emblématique du style d’Ozu, en rupture avec les normes hollywoodiennes : faux-raccords, ruptures de l’axe de jeu, frontalité marquée (liée à l’architecture japonaise) - Éléments comparables dans Les Contes de la lune vague après la pluie (Ugetsu monogatari, Mizoguchi, 1953), mais non systématiques dans le cinéma japonais de l’époque

Answer 28

(Yves Allégret, 1949) - Prolonge le réalisme poétique par ses thématiques noires - Maîtrise technique (éclairage, son) → rattachement à la “Qualité française” - Gérard Philipe : ancien enfant de l’Assistance Publique, a tué une chanteuse (amante), et se suicide à la fin

Answer 29

(Billy Wilder, 1950) - Réflexion sur le cinéma : récit autocritique d’Hollywood, thème étudié en cours du 28 mai 2025 : « Quand le cinéma de fiction raconte sa propre histoire » - Liens avec le film noir : voix off, atmosphère sombre, protagoniste désabusé, femme fatale (Norma Desmond)

Answer 30

(Henri Decoin, 1952) - Structure en flash-backs (cf. Le Jour se lève, Carné, 1939) - Jean Gabin : patriarche bourgeois alité, victime de son épouse (jouée par Danielle Darrieux) - Le récit propose une critique du personnage masculin et de sa position sociale dominante

Answer 31

(Fred Zinnemann, 1952) - Exemple de “sur-western” (André Bazin) → western réflexif, centré sur le discours moral plus que sur l’action - Gary Cooper : shérif, figure classique du genre (aussi acteur dans Sérénade à trois, 1933) - Grace Kelly : son épouse, opposée à la violence, veut quitter la ville.

Answer 32

(Vittorio de Sica, 1952) - Film néo-réaliste, avec un acteur non-professionnel (professeur à la retraite) - Tourné dans l’espace urbain réel - Thèmes : misère sociale, survie en Italie d’après-guerre. Comparable à Le Voleur de bicyclette (1948) et Allemagne année zéro (Rossellini, 1948)

Answer 33

(Henry Koster, 1953) - 1er film en Cinémascope → péplum du 2e âge d’or du genre - Compile les scènes-clés du péplum (duel, conversion, martyr, etc.) - Discours contemporain + allusions à : guerre froide, chasse aux sorcières à Hollywood - Le tribun Marcellus traque les chrétiens → logique de délation (cf. maccarthysme), il se convertit après les avoir protégés - Comme High Noon (1952), critique indirecte du maccarthysme - Récit situé autour de la Passion du Christ (sans jamais montrer son visage, comme Ben-Hur, 1959)

Answer 34

(Kenji Mizoguchi, 1953) - Jidai-geki (film historique japonais) - Décors naturels et de château, avec frontalité proche de Printemps tardif (Ozu, 1949) - Utilise des effets contraires aux normes hollywoodiennes : exemple : raccord à 180° - Présence de Kinuyo Tanaka (épouse) → deviendra réalisatrice importante dans les années 1950

Answer 35

(Claude Autant-Lara, 1954) - Adaptation du roman de Colette (1923) - Scénario signé Jean Aurenche & Pierre Bost → figures de la “Qualité française” - Récit d’une relation intime entre un jeune homme et une bourgeoise plus âgée (Edwige Feuillère) - Film controversé à sa sortie, comme Le Diable au corps (Autant-Lara, 1947)

Answer 36

(Agnès Varda, 1955) - Film précurseur de la modernité cinématographique - Influence néo-réaliste : figurants non-professionnels, milieu modeste (village de pêcheurs) - Voix over et déliaison vocale : les dialogues du couple sont parfois désynchronisés de l’image → Anticipe Hiroshima mon amour (1959) et L’Année dernière à Marienbad (1961) d’Alain Resnais

Answer 37

(Douglas Sirk, 1955) - Mélodrame critique de la morale bourgeoise et du conformisme social - Héritage revendiqué : par Fassbinder : Angst essen Seele auf (Tous les autres s’appellent Ali, 1974), par Todd Haynes : Far from Heaven (Loin du Paradis, 2002) - Todd Haynes ajoute : la thématique de l’homosexualité, renvoie à la figure de Rock Hudson (star du film de Sirk) et au cinéma de Fassbinder

Answer 38

(John Ford, 1956) - Western critique, aux thématiques sombres, caractéristiques des années 1950 - John Wayne incarne un personnage trouble et ambigu, ≠ Stagecoach (1939) où il jouait un héros positif - Film qui prend du recul vis-à-vis du genre western classique

Answer 39

(Henri-Georges Clouzot, 1956) - Met en scène Pablo Picasso en train de peindre → exploration du processus créatif - Effet d’animation de la toile : on voit l’œuvre se faire, mais pas l’artiste (sauf dans 4 segments révélant le hors-cadre) - Rencontre entre cinéma et peinture : le film met en tension les deux dispositifs

Answer 40

(Cecil B. DeMille, 1956) - Péplum du 2e âge d’or avec Charlton Heston dans le rôle de Moïse - Dernier film de DeMille, auto-remake de sa version muette (1923) - Récit biblique centré, tout en couleur, exploitant le son pleinement - Film emblématique du faste péplum : décors, costumes, chars, figuration, effets spéciaux spectaculaires - Contexte de la Guerre froide en arrière-plan, comme dans La Tunique (1953) ou Ben-Hur (1959)

Answer 41

(Fred McLeod Wilcox, 1956) - Film de science-fiction jouant sur le merveilleux et l’immensité des paysages (cf. The Searchers, 1956) - Utilise le sound design pour créer une ambiance sonore oppressante (préfigure THX 1138, George Lucas, 1971) - Inscrit dans l’esthétique spectaculaire de la SF des années 1950

Answer 42

(Federico Fellini, 1957) - Ancré dans le néo-réalisme, malgré sa date tardive - Personnage principal : prostituée précaire, jouée par Giulietta Masina → jeu tragicomique et nuancé - Évoque Umberto D. (De Sica, 1952) par sa thématique sociale - Fellini capte l’effervescence de la rue (cf. Le Voleur de bicyclette, 1948, scènes dans le trafic romain).

Answer 43

(William Wyler, 1959) - Péplum du 2e âge d’or, avec Charlton Heston dans le rôle-titre - Remake du Ben-Hur muet (Fred Niblo, 1925 – 1er âge d’or) - Comme La Tunique (1953), explore les “marges” de la vie du Christ → visage jamais montré - Allusions au nazisme et au maccarthysme - Scène culte : la course de char (sans musique) → moment spectaculaire majeur de l’histoire du cinéma

Answer 44

(Alain Resnais, 1959) - Film de la “Rive gauche”, emblématique de la modernité cinématographique - Inspiré du Nouveau Roman → primat du texte (Marguerite Duras) et de la voix over - Prologue marque la transition chez Resnais du documentaire à la fiction (cf. Nuit et brouillard, 1956) - Thème de l’irreprésentable (Hiroshima, mémoire, traumatisme)

Answer 45

(François Truffaut, 1959) - Considéré comme le “premier” film de la Nouvelle Vague - Jean-Pierre Léaud incarne Antoine Doinel, alter ego de Truffaut → devient une figure emblématique du mouvement - Son postsynchronisé, sauf : séquence improvisée avec la psychologue (seule enregistrement synchrone); même procédé dans Jules et Jim (1962), pour la chanson de Jeanne Moreau - Fin marquante : arrêt sur image sur le regard d’Antoine → symbole de liberté et d’incertitude

Answer 46

(Howard Hawks, 1959) - Western classique avec John Wayne en shérif isolé, rappelant Gary Cooper dans High Noon (1952) - Enjeu central : faire respecter la loi seul dans une ville hostile - Organisation spatiale clé : importance de la rue centrale et de la prison, lieux emblématiques du genre - Maîtrise de l’espace = caractéristique majeure de la mise en scène de Hawks

Answer 47

(Kiju Yoshida, 1960) - Film de la Nouvelle Vague japonaise, influencé par À bout de souffle (Jean-Luc Godard, 1960) - Montage discontinu, fin brutale = écho stylistique et narratif à la Nouvelle Vague française - Nombreuses références à la France (Rimbaud, Yves Montand…) - Reflète la fin de l’insouciance de la jeunesse, thème commun à Adieu Philippine (1962) et American Graffiti (1973)

Answer 48

(Luchino Visconti, 1960) - Film néo-réaliste tardif : thématiques sociales fortes (immigration Sud-Nord, pauvreté) - Photographie noir et blanc ; ancrage dans la société contemporaine italienne - Le personnage de Rocco (Alain Delon) incarne les valeurs familiales traditionnelles - Liens directs avec Umberto D. (V. De Sica, 1952) par son approche sociale et réaliste

Answer 49

(Alain Resnais, 1961) - Film emblématique de la « modernité » cinématographique - Primauté du descriptif sur le narratif, forte voix over - Thèmes : mémoire incertaine, temporalité fragmentée, amour peut-être fictif - Écho à Hiroshima, mon amour (Resnais, 1959) : structure non linéaire et réflexion sur le souvenir - Avec Delphine Seyrig dans un rôle de femme mystérieuse sollicitée pour se souvenir

Answer 50

(Kinuyo Tanaka, 1961) - Réalisé par Kinuyo Tanaka, grande actrice passée à la mise en scène (notamment chez Mizoguchi) - Regard féminin inédit à l’époque sur des personnages et thématiques féminins - Se distingue des regards masculins contemporains, malgré l’attention de Mizoguchi à ses héroïnes (Ugetsu, 1953) - Œuvre pionnière dans la reconnaissance des femmes cinéastes au Japon

Answer 51

(Akira Kurosawa, 1961) - Jidai-geki porté par la star Toshirō Mifune (Sanjuro, samouraï cynique mais héroïque), aussi vu dans Rashōmon (1950) - Influence majeure sur le western spaghetti : plagié par Sergio Leone pour Pour une poignée de dollars (1964) - Sanjuro = modèle du héros ambigu, repris par Clint Eastwood (Et pour quelques dollars de plus, 1965) - Montre l’impact déterminant de Kurosawa sur le cinéma occidental, notamment dans le western

Answer 52

(Jacques Rozier, 1962) - Nouvelle Vague : tournage léger avec acteurs non-pros, matériel réduit → héritage du néo-réalisme (Umberto D., 1952) - Esthétique : faux-raccords comme À bout de souffle (1960), expérimentations sonores comme Bande à part (1964) - Postsynchronisation complète, malgré l’improvisation des dialogues - Ton désinvolte, contraste avec contexte grave : mobilisation du héros pour la Guerre d’Algérie - Comme dans Cléo de 5 à 7 ou Jules et Jim, insouciance = masque d’une angoisse plus profonde

Answer 53

(François Truffaut, 1962) - Nouvelle Vague : triangle amoureux (Catherine / Jules / Jim) incarné par Jeanne Moreau - Séquence culte : Le Tourbillon de la vie chanté par Moreau = unique scène en son synchrone (le reste est postsynchronisé) - Style Nouvelle Vague : séquences musicales ou dansées → cf. Adieu Philippine (regard-caméra, cha-cha-cha), Bande à part (Madison) - Rappel : même usage ponctuel du son direct que dans Les Quatre cents coups (1959) (séquence avec la psychologue)

Answer 54

(John Ford, 1962) - Western réflexif : critique de la mythologie de la conquête de l’Ouest - Duo emblématique : John Wayne (héros traditionnel) & James Stewart (figure plus moderne) - Relecture du genre → comme Broken Arrow (1950, Daves) ou Winchester ’73 (1950, Mann) : regard critique ou ambigu sur les codes du western - Citation célèbre résumant le film : “When the legend becomes fact, print the legend.”

Answer 55

(Jean-Luc Godard, 1964) - Deux séquences emblématiques : a. Course au Louvre : rupture des codes culturels et du tournage classique (réactions spontanées, style documentaire) b. Danse Madison : séquence musicale iconique du mouvement (cf. Jules et Jim, 1962) - Travail sur le son : déconstruction des normes sonores du cinéma classique (musique, voix, silences…) - Style Nouvelle Vague : liberté formelle, ton désinvolte, acteurs amateurs, tournage léger

Answer 56

(Pierre Koralnik, 1964) - Court métrage TSR, influencé par le cinéma-vérité et le free cinema (formation d’Alain Tanner en Angleterre) - Interview filmée dans l’atelier, en français, dans un cadre intimiste mais contrôlé - Inserts de détails des œuvres : sans montrer le geste pictural, que Bacon refuse de filmer - Différent de Racconto da un affresco (1940/46) : pas d’animation ni reconstitution historique, pas d’effet didactique

Answer 57

(Seiju Suzuki, 1964) - Film de série B au style visuel très travaillé - Montage abrupt & discontinuités, comme dans Contes cruels de la jeunesse (Oshima, 1960) - Violence & sexualité crue : caractéristiques transgressives de la Nouvelle Vague japonaise - Esthétique expérimentale et provocante, en rupture avec le cinéma classique japonais

Answer 58

(Jacques Demy, 1964) - Film entièrement chanté : tous les dialogues sont en musique - Catherine Deneuve joue le rôle principal mais est doublée au chant sur tout le film - Premier volet d’un triptyque musical de Demy avec Deneuve : les Demoiselles de Rochefort (1967) : chant ponctuel, style comédie musicale américaine; Peau d’âne (1970) - Autres films français à chansons : a. On connaît la chanson (Resnais, 1997) : chansons préexistantes, playback sur dialogue b. Huit Femmes (Ozon, 2002) : numéros chantés intégrés dans le récit (avec Deneuve) c. Emilia Pérez (Audiard, 2024) : comédie musicale contemporaine, dans la continuité

Answer 59

(Sergio Leone, 1965) - Western spaghetti italien, suite de Pour une poignée de dollars (1964), lui-même inspiré de Yojimbo (Kurosawa, 1961) - Genre habituellement hollywoodien (John Ford, Anthony Mann, Hawks, etc.), ici réapproprié en Europe avec distanciation et pastiche, à un moment où il décline aux États-Unis - Popularisation du western spaghetti, influent jusqu’à aujourd’hui (ex. BD franco-belges) - Personnage principal : Clint Eastwood, vedette de la série TV Rawhide, star emblématique de la trilogie du dollar : 1. Pour une poignée de dollars (1964) 2. Et pour quelques dollars de plus (1965) 3. Le Bon, la Brute et le Truand (1966) - Leone envisageait Lee Marvin dans le rôle de l’adversaire, finalement remplacé par Lee Van Cleef - En parallèle : L’homme qui tua Liberty Valance (John Ford, 1962) propose un western classique et critique, représentatif de l’évolution du genre aux USA - Clint Eastwood deviendra une figure majeure de la survivance du western à travers ses propres réalisations : Pale Rider (1985), Unforgiven / Impitoyable (1992)

Answer 60

(Arthur Penn, 1967) - Film-jalon du Nouvel Hollywood - Traitement explicite de la sexualisation et de la violence exacerbée - Évoque les films de gangsters pré-Code (ex. Scarface, Hawks, 1932) - Acteurs principaux : Faye Dunaway et Warren Beatty - Présence de Gene Hackman, figure du Nouvel Hollywood

Answer 61

(Stanley Kubrick, 1968) - Tournant pour la légitimation de la science-fiction au cinéma - Conception sonore réaliste : silences marquants - Usage de musique classique - À l’opposé des sci-fi des années 1950 (ex. Forbidden Planet, 1956)

Answer 62

(Alain Tanner, 1969) - Premier long métrage de fiction d’Alain Tanner - Lance le Nouveau cinéma suisse - François Simon (fils de Michel Simon) joue Charles, patron en fuite du monde bourgeois - Sa fille Maya joue sa fille militante, en accord avec ses idées - Jean-Luc Bideau apparaît en infirmier à la fin (interne Charles)

Answer 63

(Bob Rafelson, 1970) - Film du Nouvel Hollywood - Jack Nicholson : homme issu d’une bonne famille qui feint d’appartenir à une classe inférieure - Montage discontinu, intrigue en scènes éclatées - Influence de la Nouvelle Vague (ex : Les Quatre cents coups) - Structure liée au roadmovie, genre central du Nouvel Hollywood

Answer 64

(Michel Soutter, 1970) - Film du Nouveau Cinéma suisse, co-financé par la RTS via le Groupe 5 - Récit déconstruit, absurde, inversions de la causalité - Instabilité fictionnelle dès le titre (hésitation, incohérences logiques) - Proximité formelle avec L’Année dernière à Marienbad (Resnais, 1961) - Jean-Luc Bideau : chauffeur de taxi exubérant, lien particulier au récit

Answer 65

(George Lucas, 1971) - Dystopie souterraine, société totalitaire oppressante - Corps soumis à une autorité : parallèle avec Metropolis (Lang, 1927) - Générique défilant du haut vers le bas = symbole d’oppression - Sound design expérimental et agressif = atmosphère oppressante - Proche de Planète interdite (Wilcox, 1956) dans son travail sonore

Answer 66

(Claude Goretta, 1973) - Film choral : tous les personnages réunis dans un même espace-temps - Nouveau cinéma suisse : critique de l’hypocrisie bourgeoise - Jean-Luc Bideau = un invité ; François Simon = le majordome - Critique des institutions, comme dans Charles mort ou vif (Tanner, 1969)

Answer 67

(Francis Ford Coppola, 1974) - Film du Nouvel Hollywood post-Watergate, thème de la paranoïa/complot - Gene Hackman : expert en surveillance - Focus sur le son → importance du sound design (Walter Murch) - Inspiré de Blow-Up (Antonioni, 1966), centré sur la photographie - Influence future sur Blow Out (De Palma, 1981) → version sonore de l’intrigue

Answer 68

(Marguerite Duras, 1975) - Film de Marguerite Duras centré sur la littérarité du texte, non sur l’image - Usage marquant de la voix over ; images énigmatiques - Dans la continuité de Hiroshima, mon amour (Resnais, 1959) dont elle était la scénariste - Avec Delphine Seyrig dans le rôle principal

Answer 69

(Alain Tanner, 1976) - Film choral du Nouveau cinéma suisse avec Jean-Luc Bideau - Organisation en pistes parallèles (8 personnages) → discontinuité brechtienne - Emblématique du « film-discours » de Tanner (Charles mort ou vif, La Salamandre) - Dimension didactique : ferme pédagogique, références à Rousseau

Answer 70

(Martin Scorsese, 1976) - Film du Nouvel Hollywood, retour de la violence et du noir → néo-noir (scénario : Paul Schrader) - Expérimentations formelles : regard-caméra, montage discontinu (influence de la Nouvelle Vague) - Protagoniste : vétéran du Vietnam inadapté, interprété par Robert De Niro - De Niro = acteur récurrent chez Scorsese, aussi dans Le Parrain II (Coppola, 1974)

Answer 71

(Yves Yersin, 1979) - Unique long métrage de fiction d’Yves Yersin, rattaché tardivement au Groupe 5 (Nouveau cinéma suisse) - Représentation de la Suisse rurale, à la différence de Charles mort ou vif (Tanner, 1969) - Thématique de l’échappatoire : le vélomoteur, puis l’appareil photo transforment la vie du valet de ferme - Origine ethnographique du projet (inspiré par les débuts documentaires de Yersin)

Answer 72

(Akira Kurosawa, 1985) - Jidai-geki tardif, coproduit avec la France faute de soutien des studios japonais - Adaptation libre de King Lear de Shakespeare (après Le Château de l’araignée adapté de Macbeth) - Références au théâtre nô et dimension picturale forte, comme dans Kagemusha (1980) - Témoigne de l’attrait de Kurosawa pour la culture occidentale

Answer 73

(Chen Kaige, 1993) - Adapté du roman de Lilian Lee, également autrice de Green Snake - Titre = nom de la pièce d’opéra de Pékin jouée par le perso de Leslie Cheung (la concubine) - Le “prince” est joué par son camarade dont il est amoureux - Gong Li joue la femme rivale, révélée par les films de Zhang Yimou - Copro. sino-hongkongaise, film de la cinquième génération chinoise

Answer 74

(Tsui Hark, 1993) - Adapté du roman de Lilian Lee (aussi autrice de Adieu ma concubine) - Inspiré d’un conte bouddhique - Produit par Film Workshop (créée par Tsui Hark pour dynamiser la production à Hong Kong) - Maggie Cheung incarne le serpent vert, personnage central, jaloux du serpent blanc - Mélange des genres : wu xia pian (avec surnaturel), romance, humour - À rapprocher du ton hybride de Il était une fois en Chine 3 (1993)

Answer 75

(Wong Kar-wai, 1995) - Film hongkongais - Tourné en même temps que Chungking Express (1994) - Devait initialement être l’un des volets de Chungking Express - Réalisé pendant une pause du tournage de Ashes of Time (1994), un wu xia pian

Answer 76

(Ed Harris, 2000) - Biopic sur Jackson Pollock, joué par Ed Harris - Harris s’inspire du film Jackson Pollock 51 (Hans Namuth & Paul Falkenberg, 1951) - Reproduction précise de la gestuelle picturale, conçue comme une chorégraphie - Le film reconstitue le tournage du court métrage de 1951 - Mention du dispositif original : caméra filmant derrière une vitre

Answer 77

(Bong Joon-ho, 2006) - Film sud-coréen à hybridité générique (monstre / mélodrame / comédie grotesque) - Réalisé par Bong Joon-ho, connu pour Parasite (Palme d’or, 2019) et Memories of Murder (2003) - Critique sociale forte, notamment des institutions comme la police - Mélange de suspense, émotion familiale et humour noir

Answer 78

(Jia Zhang-ke, 2013) - Quatre récits de faits divers se terminant par des morts violentes (meurtres, suicide) - Segment 3 : protagoniste jouée par Zhao Tao, épouse du réalisateur - Références aux wu xia pian (cadre de profil, montage rapide, surgissements de violence) - Citation explicite de Green Snake (Tsui Hark, 1993) (écran dans l’écran, présence d’un serpent) - Violence stylisée à la Kitano (coproduction avec Office Kitano, référence à Hana-Bi) - Jia Zhang-ke : cinéaste réaliste, minimaliste, proche du documentaire - Film présenté au Festival Visions du Réel (2024) + rétrospective à la Cinémathèque suisse

Answer 79

(Hirokazu Kore-Eda, 2023) - Récit en trois parties, chacune centrée sur un point de vue différent - Structure narrative inspirée de Rashômon (Akira Kurosawa, 1950) - Écho à l’intérêt occidental pour le cinéma japonais via Kurosawa

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